Este viernes llega a los cines la película de animación “Hanna y los monstruos” y aprovechamos para entrevistar a su directora Lorena Ares que nos cuenta cómo nació este proyecto, sus técnicas de animación, el diseño de personajes y mucho más.
Entrevista a Lorena Ares, directora de la película “Hanna y los monstruos“:
– Para empezar, ¿cuéntanos cómo llegó este proyecto a tus manos y cómo se trabajó qué tipo de animación ibais a usar?
Todo surgió en el mercado de Cannes hará unos cinco años. Estaba con Ángeles y David de Mr. Miyagi, y surgió el tema de hacer alguna colaboración juntos. Al poco tiempo me llamaron porque tenían una historia sobre una niña que se adentraba en un mundo monstruoso guionizada por ellos mismos y Raúl Portero. Me encantó la idea, ya que yo siempre he tenido mucho miedo a la oscuridad, y me hubiese encantado haber tenido de pequeña alguna peli que tratase el mundo de los monstruos de una manera simpática y amable. Pasaron casi dos años hasta que me llamaron. Se habían unido al proyecto Cristina Broquetas y Jose Pérez, y la historia se había vuelto aún más atractiva, así que no dudé en unirme al equipo.
El diseño de producción llegó de la mano de Pere Clos y Ouo Time. Pere tiene mucha experiencia en series infantiles, y con mi experiencia en largos conseguimos dar forma a todo el mundo de Hanna. Desde ahí se comenzó la discusión sobre tipo de animación, estilo, .. Queríamos algo que recordase a los cuentos ilustrados, y entonces Pere y su equipo propusieron usar fondos y algunos efectos en 2D, que venían muy al caso del estilo que queríamos conseguir, permitiéndonos cierta abstracción y libertad a la hora de crear un mundo imaginario de cuento.
– ¿Cómo fue la elección de los diferentes monstruos (gárgola, loba, dragón, etc), tanto los buenos como los villanos, y su posterior trabajo de diseño?
El guion me llegó con los personajes ya indicados, personajes de leyendas y cuentos fácilmente reconocibles por todos. En lo que más me concentré fue en amplificar sus personalidades y hacerlas un poco caricaturescas. La parte que más disfruto en los proyectos es la construcción de personajes, así que invertí mucha energía en esta parte.
Creo que en dirección ayuda muchísimo que sea el propio director el que haga las voces de referencia. Como animadora, me gusta ir grabándome pensando en el acting que va a tener el personaje, como se va a mover en el escenario, haciendo inflexiones en la voz cuando creo que puede haber algún “take” o acción importante. Es en esta etapa cuando voy buscando la personalidad y la diferenciación entre unos y otros, y creo que eso ayudó mucho en animatic para crear las poses de referencia.
Mientras trabajaba con el estudio We make 2D en la animatic, iba revisando con Pere los diseños de personajes. No es lo más adecuado hacerlo todo a la vez, pero sí que me iba ayudando a redondear esas personalidades pensando en cómo se iban a mover, el espacio que ocupaban en encuadre, y sus características.
Los personajes con los que más disfrutamos fueron Gárgola y Nessi. Las dos tienen unos cambios de humor muy locos. Si bien Gárgola pierde los papeles con facilidad, Nessi es una conspiracionista loca que a los dos minutos se ha olvidado de lo que estaba haciendo. Es muy divertido cuando consigues estos contrastes tan fuertes en animación.
– ¿Qué estudios trabajaron en “Hanna y los monstruos” y durante cuánto tiempo?
Los estudios que han llevado más carga de trabajo han sido Ouo Time (Mataró) y Dr. Platypus & Ms. Wombat (mi estudio navarro junto a Carlos F. de Vigo). En DPMW nos ocupamos de parte de la preproducción, así como de la mayor parte de la composición. En Ouo, se ocuparon del diseño de producción y del mayor volumen de carga de trabajo CGI (Animación, modelado, rigging).
En composición también se unieron Matte (Ecuador) y Hampa Studio (Valencia).
En VFX los propios productores tenían a gente en Doce Entertainment, y otros que eran más de composición se hicieron en DPMW.
Y en animatic trabajamos con We make 2D de Iñaki Amurrio (Vitoria) en el rough y la limpieza y correcciones se hicieron desde DPMW.
Para las voces contamos con AudioProjects de Barcelona, el SFX lo hizo Handmade Studio, y la música Miquel Tejada, un maravilloso autor director de musicales.
Espero no estar olvidándome a ningún estudio…
– La última vez que nos vimos presencialmente fue en la alfombra de los Goya, ¿ya se ha acabado la gira de festivales de vuestro cortometraje de animación “Amanece la noche más larga”?
¡Pues aún seguimos dando la lata con Amanece! El premio de Málaga ha sido un impulso muy importante, y creemos que aún nos queda un añito de recorrido. El corto está funcionando maravillosamente bien, y ya llevamos unas 50 selecciones y 10 premios. Lo que desearía es poder asistir a alguno de los festivales. Ahora que se estrena “Hanna”, espero empezar a tener más tiempo para poder disfrutar de estos eventos con Carlos.
– Este año hubo ocho películas de animación candidatas a los Premios Goya, algo que no había ocurrido nunca, y el próximo año parece que se repetirá el mismo número, ¿qué está cambiando en la industria de la animación española?
Creo que los productores han ganado confianza y se está atreviendo a hacer más animación. Estamos descubriendo que podemos hacer cosas interesantes con presupuestos moderados, y que en España tenemos mucho talento y mucha perspectiva para aplicar este talento de manera funcional. Creo que siempre hemos sido muy creativos y valientes, y esto se está reflejando en la manera de contar historias. Si te paras un momento a ver las estéticas de las diferentes producciones, son todas muy diferentes. Los temas que tratamos también son muy diversos.
Además, creo que con el confinamiento hemos descubierto que podemos trabajar deslocalizados de una manera productiva, y ahí la animación ha tomado ventaja. Hemos tenido desde equipos de más de cien personas trabajando en largos, a cortos hechos por una persona enteramente dedicada a ello durante cinco meses. Todo esto, unido al know how que vamos acumulando los veteranos, creo que va facilitando que surjan nuevas productoras y más proyectos. Es una maravilla.
– Te vamos a pedir que te mojes y nos digas cuáles son tus tres películas favoritas de animación españolas y por qué.
Me cuesta mucho hacer listas, porque hay películas que en determinados momentos te dan algo que otras que te gustan más no te dan, pero bueno. Diré que una de mis favoritas es “Nocturna”, de Adrià García y Victor Maldonado. En su momento la estética era rompedora, y tienen una animación y una historia fantástica. Me gusta mucho “De Profundis”, de Miguelanxo Prado, pero me gusta porque la disfruté en el Palacio de la Ópera de A Coruña, con una orquesta y un coro maravillosos, y fue una experiencia que no olvido. Además soy muy seguidora de este creador. Y, por último, déjame barrer un poco para casa, me encanta “Memorias de un hombre en pijama”, de Carlos F. de Vigo. Además de que disfruté mucho haciendo la película, soy una enamorada de los comics de Paco Roca y muy fan de Love of Lesbian.
– Para terminar, ¿nos puedes adelantar en qué estás trabajando ahora?
¡Pues en Dr. Platypus y Ms. Wombat estamos a tope! Muy pronto veréis el estreno de nuestro último corto de animACIÓN 2D, Cafunè, que ya ha sido galardonado con el premio a proyecto de Amnistía Internacional. Trata sobre una niña subsahariana que llega a occidente y su adaptación a este mundo. A finales de año empezamos la producción de DinoGames, un largometraje de animación 3D que también dirigimos Carlos y yo. Una película coral muy en línea con los Goonies y con Parque Jurásico, que cuenta con diseños de personajes de Grangel Studios (Pinocho, de Guillermo del Toro). Ellos nos han diseñado también a los personajes protagonistas de Cafunè. Estamos con otros dos cortos, “Tesla” y “Skizo”, el primero de SCI-FI y el segundo de terror para público adulto. Y me encuentro desarrollando una serie 2D para público infantil, “Eva y Evariste”. Muy sencillita, que surge de una idea viejuna que tenía en mente desde hace tiempo sobre la relación entre nietos y abuelos.
Pronto anunciaremos también los resultados de un proyecto de I+D basado en Inteligencia Artificial llamado Emotional Films. Estamos consiguiendo unos resultados asombrosos, y seguimos investigando en procesos para adaptar el producto audiovisual al espectador.
